Главная страница ИД «Первого сентября»Главная страница газеты «Первое сентября»Содержание №13/2004

Вторая тетрадь. Школьное дело

УЧЕБНИКИ N 72 
 

Елена ШЕМЯКИНА,
кандидат философских наук

Совершенное несовершенство

Готика, барокко и рококо в европейском искусстве

Эндрю Мартиндейл.  Готика.

Эндрю Мартиндейл.
Готика.
– М.: Слово/Slovo, 2001. – 288 с.

Жермен Базен. Барокко и рококо.

Жермен Базен.
Барокко и рококо. –
М.: Слово/Slovo, 2001. – 288 с.

Книги известных искусствоведов Эндрю Мартиндейла «Готика» и Жермена Базена «Барокко и рококо» открывают серию «Большая библиотека» «Слова». Вряд ли преподаватель истории, культурологии, мировой художественной культуры может обойти вниманием это издание. Да и студент или школьник, желая подробнее познакомиться с историей мировой культуры и искусства, найдет здесь для себя много интересного. Это книги, которые хочется читать, совершая путешествие во «время соборов» или оказываясь при дворе Людовика XIV.
Готика, барокко, рококо… Разные эпохи, разное мировосприятие, разные художественные стили, парадоксальным образом в названии сохранившие оттенки чего-то незавершенного, переходного, несовершенного. Напомним, что термин «готический» впервые по отношению к доренессансному искусству был применен в XVI веке в уничижительном смысле. Готический стиль, разрушавший античные традиции, получил название от германского племени готов и означал «варварский». Одно из значений слова «барокко» восходит к термину, которым называли жемчуг неправильной, несовершенной формы, а слово «рококо» появилось в мастерских французских мебельщиков второй половины XVIII века, которые именовали так резные украшения мебели эпохи Людовика XV, напоминающие изгибы раковины.
Отдав дань этимологии, теоретики искусства последующих веков подчеркнули тонкость и изящество, яркость и своеобразие этих стилей. Именно такими мы видим готику, барокко и рококо в работах Э.Мартиндейла и Ж.Базена.
В книге «Готика» автор увлекательно рассказывает об истории стиля начиная с первой половины XII века, когда аббат Сугерий, настоятель монастыря Сен-Дени, недалеко от Парижа попытался перестроить церковь в связи с необходимостью увеличения ее внутреннего пространства (знаменитое аббатство Сен-Дени со времен Меровингов служило усыпальницей королей). Новая идея – крестовый нервюрный (франц. nervure – ребро каркаса) свод, лежащий в основе конструкции. Нервюрный свод со стрельчатой аркой позволял облегчить стены и практически заменить их высокими окнами, украшенными цветными вставками – витражами. Так увеличивалось внутреннее пространство и освещенность храма.
Далее автор показывает, как развивалось искусство на севере Франции и в окрестностях Парижа, и сопоставляет его с искусством других стран, чтобы понять, как повлияли идеи готики на искусство Англии, Германии, Италии. В эпоху Людовика IX (1226–1270), известного покровителя искусства, Париж становится европейским культурным центром, и многие художественные достижения ориентируются именно на него.
На протяжении веков готический стиль не оставался неизменным. В своем развитии он прошел стадии ранней, зрелой (высокой) и поздней («пламенеющей») готики. Читатель познакомится с шедеврами готического искусства XII–XIII веков (соборы Сен-Дени, Шартре, Лане, Суассоне), еще очень напоминающими романские храмы с их тяжелыми, массивными стенами, посетит знаменитый Нотр-Дам де Пари – грандиозное сооружение, вмещающее до девяти тысяч человек.
Собор Парижской Богоматери занимает особое место среди памятников Парижа. Это своеобразный символ Парижа, «каменная летопись» его истории. Строительство собора продолжалось с 1163 г. по 1250 г., и в итоге длина его составила 130 м; на его колокольню, с которой виден весь Париж, можно подняться, преодолев 387 ступенек. Главный герой романа В.Гюго Нотр-Дам – «это как бы огромная каменная симфония, колоссальное творение человека и народа, чудесный результат соединения всех сил целой эпохи, где из каждого камня брызжет принимающая сотни форм фантазия рабочего, направляемая гением художника».
Вместе с автором любопытный читатель попытается разгадать тайны архитекторов соборов Сент-Шапель, Кельнского, Страсбургского, Реймского, построенных в лучистом стиле (лучистый стиль получил название благодаря лучам больших окон-роз), где камень утрачивает свою тяжесть. «Главное, что поражает в Сент-Шапель, – это стекло огромных окон. Боковые окна занимают большую часть стен. Заполненные витражами и светящиеся подобно драгоценным камням, они создают яркое впечатление и становятся характерной чертой интерьера» (с. 89, «Готика»). Ввысь устремляется каменное кружево, дополненное вытянутыми изящными скульптурами. Это, по выражению Гете, «безмолвная музыка», в которой рождается тема нового исторического времени. Граница между земным и небесным мирами, определяющая сознание средневекового человека, начинает исчезать. В архитектуре дают о себе знать первые признаки эпохи Возрождения. Готические соборы становятся не только местом богослужения; здесь читают университетские лекции, на площади перед собором разыгрываются представления.
В книге Ж.Базена перед читателем развертывается панорама европейского искусства XVII–XVIII веков. Множество имен, уникальных произведений… Как не потеряться в таком многообразии фактов? Но нет, книга Ж.Базена – прекрасный образец систематизации художественного материала. Произведения архитектуры, скульптуры, живописи, прикладного искусства той или иной страны органично вписываются в исторические условия их создания, и, словно оживая по воле авторского пера, все они подчиняются единому замыслу книги.
XVII–XVIII века – особый период в истории искусства Европы, для которого характерно сосуществование различных стилей. «В тот период в соседних государствах, а порой и в пределах одной страны одновременно сосуществовали различные стилистические направления, поскольку их развитие шло довольно хаотично. Иногда архитектура двигалась к классицизму, тогда как прикладные искусства оставались под влиянием барокко. Однако основной тенденцией было стремление к объединению всех художественных стилей ради некоторой общей идеи. Наиболее полно эта тенденция проявилась в Версале эпохи Людовика XIV, а затем в искусстве немецкого рококо, которое может считаться апофеозом барокко» (с. 7, «Барокко»).
Родина барокко – Италия, наследница римской античности и классического Возрождения. Рим притягивал художников из Франции, Голландии, Германии, которые приезжали сюда, чтобы изучать шедевры Ренессанса, познакомиться с идеями современных им мастеров. Фламандцы Рубенс и ван Дейк, голландцы ван Бабюрен и Тербрюгген, немец Эльсхеймер, француз Симон Вуэ, посетив Рим, увезли в свои страны новые художественные идеи, а французы Н.Пуссен, Клод Лоррен и Валантен де Булонь остались в Италии и стали неотъемлемой частью римской школы.
Новое искусство отражало противоречивые веяния эпохи. Кризис возрожденческих идеалов, изменение картины мира под воздействием научных открытий (Великие географические открытия, связанные с именами Колумба, Магеллана, Васко да Гама, открытия Коперника, Галилея и др.) меняли и отношение человека к реальности. На смену представлениям о вечной и неизменной гармонии мира приходило ощущение сиюминутности, зыбкости, иллюзорности человеческого существования. Изменчивость, неопределенность, контрастность стали основой эстетики барокко. С другой стороны, чрезмерная декоративность, пышность, экспрессия барокко подчеркивали могущество абсолютной власти монарха и католической церкви. Не случайно стиль барокко получил распространение прежде всего в архитектуре тех абсолютистских государств, где господствующее положение заняла католическая церковь: в Италии, Германии, Австрии, Испании, Польше, Чехии, – и не случайно главными объектами барочного искусства стали дворцы и церкви.
Посмотрите на творения Джакомо делла Порта, Доменико Фонтана, Лоренцо Бернини, Франческо Борромини. Церковь Джезу (архитекторы Джакомо Бароцци да Виньола и Джакомо делла Порта) – один из первых характерных примеров искусства барокко. Основу фасада церкви составляет фронтон, увеличивающийся в размере по вертикали, а два фасадных яруса связывает волюта, подчеркивая плавную динамику всего строения.
Архитектор и скульптор Лоренцо Бернини по праву считается создателем типичных форм стиля барокко. «На протяжении более полувека в Риме господствовал стиль Бернини (1598–1680), в котором стремление к грандиозности общего впечатления достигается за счет ясного распределения мощных пластических объемов и масс и богатейшего полихромного декора интерьеров» (с. 17–18, «Барокко»). С именем Бернини связано преобразование внутреннего пространства собора Святого Петра – главной католической святыни, создание архитектурного ансамбля перед собором (прилегающее к собору огромное пространство Бернини превратил в овальную площадь и окружил ее колоннадой, состоящей из четырех рядов дорических колонн). Понять идеи художника помогают прекрасные фотографии, планы строений, сопровождающие рассказ автора.
На протяжении всего XVII века в Италии бурно развивалась монументальная декоративная живопись: поверхности стен, потолков и плафонов во дворцах и церквах заполняли композиции на религиозные и светские темы, на исторические сюжеты, создавая у присутствующих ощущение реальности фигур, движущихся в воображаемом пространстве. Аннибале Караччи создает фрески на плафоне галереи Фарнезе в палаццо Фарнезе, Караваджо пишет полотна с изображением сцен жизни и мученичества апостола Матфея для капеллы Контарелли в церкви Сан Луиджи деи Франчези, композиции «Обращение Савла» и «Распятие Святого Петра» для капеллы Черази в римской церкви Санта Мария дель Пополо.
Переход от барокко к рококо совершается в значительной мере под влиянием французского двора. В отличие от барокко, проявившего себя в архитектуре, живописи, скульптуре, стиль рококо, возникший во Франции, – стиль камерный, стиль аристократических гостиных и будуаров. Уже в эпоху Людовика XIV можно увидеть элегантные, легкие, утонченные художественные формы. «В комнатах Версальского дворца в последние десятилетия XVII века наряду с величественными апартаментами, служившими для официальных ритуалов, многоцветный мрамор и золоченая бронза архитектурного декора уступили место обшивке стен панелями с золочеными бордюрами, а сами комнаты стали меньше»
(с. 185, «Барокко»). Уходили в прошлое тяжелые колонны и монументальные полотна. Менялись вкусы людей: удобное и компактное жилище, отвечающее потребностям человека, оказывалось предпочтительнее помпезных строений времен Короля-Солнца.
Живопись Антуана Ватто прежде всего отражает переходный характер этой эпохи. Душевная тоска по исчезнувшим идеалам, бегство в мир грез, мистификация жизни и ожидание каких-то изменений отличают его такие столь разные произведения, как «Отплытие на остров Киферу» и «Вывеска лавки Жерсена», представленные в книге. Именно А. Ватто открыл удивительный мир персонажей итальянской комедии дель арте и таким образом обозначил изменчивый, маскарадный характер искусства рококо. А. Ватто принадлежит открытие нового типа орнамента – с центральной сюжетной сценой и окружавшим ее колоритом (что впоследствии и назвали рокайль, от франц. rocaille – осколки камней, раковины).
Завершая наше знакомство с книгами Э.Мартиндейла и Ж.Базена, хочется подчеркнуть: несомненным достоинством изданий библиотеки «Слова» является научно-методическое приложение, которое включает в себя словарь терминов, хронологическую таблицу, избранную библиографию на русском, английском, французском и немецком языках. Книги богато иллюстрированы; текст сопровождает более двухсот черно-белых, но очень качественных фотографий наиболее характерных произведений живописи, архитектуры, скульптуры. Это делает монографии французских искусствоведов полезными учебно-методическими пособиями по соответствующим периодам истории культуры.


Ваше мнение

Мы будем благодарны, если Вы найдете время высказать свое мнение о данной статье, свое впечатление от нее. Спасибо.

"Первое сентября"



Рейтинг@Mail.ru